LA (DES)EDUCACIÓN DE CAMERON POST

El martes 23 de julio fui a los Cines Golem, a ver esta película estadounidense, dirigida y con guión de Desiree Akhavan, sobre una novela de Emily M. Danforth; y protagonizada por Chloë Grace Moretz. En inglés el título es «The Miseducation of Cameron Post». Miseducation no es exactamente deseducación, sino educación impropia, errónea, incorrecta. La mala educación. O la antieducación.

Es curioso que en pocos meses nos hayan llegado dos películas sobre el mismo tema. En abril fui a ver a los Cines Renoir «Identidad Borrada», película sobre el mismo asunto, dirigida y con guión de Joel Edgerton sobre un libro de Garrard Conley. La versión masculina de la misma denuncia.

https://floredo3.home.blog/2019/04/06/identidad-borrada/

Da la impresión que en EEUU cada vez hay más escritoras, escritores, guionistas, directoras y directores de cine preocupadas por el asunto de las terapias de conversión. No sabemos el alcance que estas terapias están llegando a tener en EEUU, al finalizar la película de Joel Edgerton, en los títulos de crédito daban algunos datos. Unas 70.000 víctimas.

En España las terapias de conversión, que ya supusieron torturas, lobotomías, electroshocks y muertes en los años de la dictadura fascista, están volviendo a ser puestas en práctica y defendidas desde diversas instancias; sobre todo desde la llegada a las instituciones de organizaciones militaristas, xenófobas, misóginas y LGTBfobas, empoderadas por los partidos de centro derecha postfranquistas. Y sobre todo son defendidas por la jerarquia de la iglesia nacionalcatólica. Y, como dije en la entrada que publiqué sobre la película de Edgerton, están financiadas por el erario público. Al menos en EEUU todo esto (como todo lo demás) es privado.

En la película también es una secta religiosa la que realiza estas terapias que, al menos lo que se muestra, no incluyen torturas físicas. La protagonista denuncia que sí hay torturas psíquicas, el hecho de pretender anular la personalidad de cada persona lo es. También se denuncia como las familias heteropatriacales pueden ser nocivas, perniciosas y antieducativas para sus hijas e hijos. Está claro que jamás una familia homoparental o uniparental encerraría a su hija o hijo en una secta para que le torturaran psíquicamente. ¿Tendrán las instituciones este factor en cuenta, a la hora de buscar la idoneidad en las adopciones?. Las razones de las familias LGTBfobas que se esgrimen en la película pueden parecer fictíceas, pero es que cualquier razón debería ser suficiente para quitarles la custodia. En concreto un padre de una comunidad indígena (creo que Lakotas), para meterse en política renunció a su religión ancestral que asumía la homosexualidad como algo natural (he leído que incluso se considera en esas comunidades que un hijo o hija que tiene las dos espíritus, masculino y femenino, winkté, son considerados superiores). Ya es malo que uno renuncie a sus orígenes y su cultura ancestral para poder acceder a un degenerado tipo de política. Pero es que además renunciar a tu propio hijo y meterlo en una secta de estas características es para ir a vomitarle en pleno mitin. Otro padre se niega a acceder a que su hijo vuelva a casa porque aún es muy femenino. Curiosamente, aunque en esta película, la protagonista es una chica, al final son los chicos los que salen peor parados.

Hay clichés repetidos, que ya estaban en la película de Edgerton, como que los chicos no deben cruzar las piernas y las chicas no deben practicar determinados deportes que se consideran masculinos. Me llamó la atención que el senderismo se considera un deporte sin género. El punto de humor, casi surrealista, lo pone la supuesta «Religimnasia».

Otra denuncia, que también se hacía en la película de Edgerton, es la falta de profesionalidad de los supuestos educadores. En esta película, la protagonista le echa e cara a uno de los dirigentes de la secta que «No sabéis lo que estáis haciendo, estáis improvisando sobre la marcha y no sabéis las consecuencias que esto puede llegar a tener». No sé si estas son exactamente las palabras, pero considero que es la mejor frase la película.

Creo que en todos los institutos y universidades se deberían proponer las lecturas de las novelas en las que están basadas estas películas. Y, por supuesto se deberían visionar estas películas.

Trailer:

COMO HACE 3000 AÑOS

El domingo 30 de junio fuimos al Teatro Bellas Artes para disfrutar con el recital de Héctor Alterio.

Acompañado por José Luis Merlin, a la guitarra, el magnífico actor con casi los 90 años, nació en septiembre de 1929, interpretó una serie de emotivos poemas de León Felipe, precedidos por el poema de Antonio Esteban Agüero, «Preludio cantable»:

Me sorprendió la elección de este poeta, porque por lo que se puede leer en wikipedia «A finales de 1952 se publicó su poema «Yo, Presidente», en el cual describía que iba a ocupar la Plaza de Mayo a la cabeza de un ejército de de un millón de jinetes espectrales, «para ser Presidente y organizar la Patria».​ Dado el estado de conspiración latente, y el antecedente del intento de golpe de Estado del 28 de septiembre de 1951, los versos de Agüero fueron interpretados como golpistas. Agüero fue arrestado, estuvo dos meses en la cárcel, y seis meses con arresto domiciliario en la casa que habitaba en ese momento. El golpe de estado ocurrió dos años más tarde, luego de un cruento bombardeo de la Plaza de Mayo que costó más de trescientas víctimas civiles, sin contar desaparecidos, heridos y mutilados. Y tras el golpe de Estado de 1955, que derrocó al gobierno constitucional, Agüero desempeñó importantes cargos públicos en su provincia, fue Presidente del Consejo Provincial de Educación de 1955 a 1956, Director de Cultura en 1957, Ministro de previsión Social y Educación en 1957, y Ministro de Gobierno desde 1958 a 1959«. No me parece un poeta que conecte muy bien ideológicamente con León Felipe, ni con un Héctor Alterio que tuvo que exiliarse de su país por amenazas de la Triple A.

Entre poema y poema, el guitarrista interpreta diversas melodías. Tras la «Suite del Recuerdo: Evocación, Zambra y Chacarera», comenzó el recital de poemas de León Felipe. «Escuela»:

El guitarrista interpretó «Suite del Recuerdo: Carnavalito, Evocación y Jarapa». Y un nuevo poema de León Felipe, «El salmo es mio»:

«¡EL SALMO ES MÍO!

Y la España que se llevó la canción se llevó el salmo también. Jamás oí en las catedrales españolas un salmo afilado que se pudiese clavar en el cielo, en la tierra o en la carne del Hombre.
Y siempre me preguntaba al entrar a las iglesias: ¿dónde estará el salmo? ¿dónde le habrán escondido los canónigos?

Durante el expolio de la última guerra española, lo encontré. Lo habían guardado los sacristanes en una vitrina y allí lo retenían como un idolillo inútil ya y sin sentido, para que lo contemplasen la erudición eclesiástica, los poetas pedantes y los turistas.

En Medellín, cuidad clara, ubérrima y levítica de Colombia, la prensa reaccionaria que como en todas partes vive de la calumnia asalariada, dijo en coro cuando pasé ya hace un año por allí, que yo era un rojo sacrílego que había robado los cálices y las joyas de las iglesias.

Pero no fué eso lo que robé. Fue algo más sagrado… Lo que me robé fue el salmo. Diré como pasó. Al final de la contienda, allá por los últimos días del año 1938, cuando los «rojos» se habían incautado de las iglesias y de los ornamentos sagrados (de los utensilios y de los cubiletes de los malabaristas y de los mercaderes del templo), yo me llevé el salmo.

Denunciadme al Sumo Pontífice, dadle mis señas, mostradle mi cédula (este libro es mi cédula).
Decidle que eso que va aullando en la ráfaga negra del viento por todos los caminos de la Tierra… es el salmo. Y que yo me lo llevo, que me lo llevo en mi garganta, que es la garganta rota y desesperada del Hombre a quién él ha dejado sin altar y sin tabernáculo.

No me lo robo. Me lo llevo… ¡lo rescato! El salmo es mío… ¡del poeta!… El salmo es una joya que les dimos en prenda los poetas a los sacerdotes.
¡Fué un préstamo!
Y ahora me lo llevo.

Cuando los arzobispos bendicen el puñal y la pólvora y pactan con el sapo iscariote y ladrón… ¿para qué quieren el salmo?

El poeta lo rescata… se lo lleva.
Porque el salmo es del poeta…
¡Mío!…
¡El salmo es mío!»

«PERO POR QUÉ HABLA TAN ALTO EL ESPAÑOL»

A la guitarra «La quena rota». Y después «VENCIDOS»:

«PICASSO», Un poema que desconocía y que no logro encontrar publicado en la web, ni en youtube , y es un poema muy importante, en el que León Felipe critica la afición de Picasso por la tauromaquia. Se trata de una alegoría en la que el poeta se identifica con un caballo que llevan contra su voluntad a la plaza de toros, el toro le hiere y mira a Picasso que está gritando «¡Olé, toro». Supongo que se pueden hacer muchas interpretaciones relacionadas con la simbología del toro y el caballo que aparecen en el cuadro «Guernica», pero a mí me sonó a crítica a la tauromaquia.

Tras el solo de guitarra «Canción del caminante enamorado», Alterio interpretó «LA VENTANA»:

Y tras «Momentos» a la guitarra, Alterio interpretó, para terminar el recital «QUÉ LÁSTIMA»:

Todo el público aplaudiendo en pié obligó al actor a volver al escenario para interpretar «AUSCHWITZ»:

“A todos los judíos del mundo,
mis amigos, mis hermanos”

Estos poetas infernales,
Dante, Blake, Rimbaud
que hablen más bajo…
que toquen más bajo…
¡Que se callen!
Hoy
cualquier habitante de la tierra
sabe mucho más del infierno
que esos tres poetas juntos.
Ya sé que Dante toca muy bien el violín…
¡Oh, el gran virtuoso!
Pero que no pretenda ahora
con sus tercetos maravillosos
y sus endecasílabos perfectos
asustar a ese niño judío
que está ahí, desgajado de sus padres…
Y solo.
¡Solo!
aguardando su turno
en los hornos crematorios de Auschwitz.
Dante… tú bajaste a los infiernos
con Virgilio de la mano
(Virgilio, «gran cicerone»)
y aquello vuestro de la Divina Comedia
fue una aventura divertida
de música y turismo.
Esto es otra cosa… otra cosa…
¿Cómo te explicaré?
¡Si no tienes imaginación!
Tú… no tienes imaginación,
Acuérdate que en tu «Infierno»
no hay un niño siquiera…
Y ese que ves ahí…
está solo
¡Solo! Sin cicerone…
esperando que se abran las puertas de un infierno que tú, ¡pobre florentino!,
no pudiste siquiera imaginar.
Esto es otra cosa… ¿cómo te diré?
¡Mira! Éste es un lugar donde no se puede tocar el violín.
Aquí se rompen las cuerdas de todos
los violines del mundo.
¿Me habéis entendido poetas infernales?
Virgilio, Dante, Blake, Rimbaud…
¡Hablad más bajo!
¡Tocad más bajo! ¡Chist!
¡¡Callaos!!
Yo también soy un gran violinista…
y he tocado en el infierno muchas veces…
Pero ahora, aquí…
rompo mi violín… y me callo.

Un magnífico espectáculo. Un actor fascinante. Un poeta único, del que al año pasado se cumplieron 50 años de su muerte en el exilio y no hubo ningún acto oficial en España.

LA BIBLIOTECA POPULAR DE LOS JARDINES DE HERRERO PALACIOS

El viernes 21 de junio de 2019, tras visitar la exposición “100 años de Metro”, en la Sala de Motores del Metro, fuimos dando un paseo hasta el Retiro y allí descubrimos la Biblioteca Popular. Se encuentra junto a la Puerta del 12 de Octubre, muy cerca del metro Ibiza:

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MIRADAS AFINES EN EL PRADO

El domingo 23 de junio, fuimos al Museo del Prado, para ver en primicia esta exposición. «Velázquez, Rembrandt, Vermeer. Miradas afines». La exposición se abrió el público el martes 25, pero siempre hacen unos pases previos para un número limitado de personas, a modo de prueba, para resolver posibles dificultades de última hora.

«El geógrafo» de Vermeer

En la web del Museo del Prado odemos leer «En el marco de la celebración de su Bicentenario, el Museo del Prado presenta “Velázquez, Rembrandt, Vermeer. Miradas afines”, un ambicioso proyecto que, con el patrocinio de la Fundación AXA y la colaboración especial del  Rijksmuseum de Ámsterdam, se dedica a la pintura holandesa y española de finales del siglo XVI y del siglo XVII. La exposición, compuesta por 72 obras procedentes del Prado, el Rijksmuseum y 15 prestadores más – el museo Mauritshuis de La Haya, la National Gallery de Londres o  el Metropolitan de Nueva York, entre otros-, propone una reflexión sobre las tradiciones pictóricas de  España y los Países Bajos. Si bien la historiografía artística ha considerado a estas tradiciones como esencialmente divergentes, la exposición confronta los mitos históricos y las realidades artísticas de ambos ámbitos para reflexionar sobre los numerosos rasgos que las unen. Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines es una exposición que invita al público visitante no solo a disfrutar de la calidad y relevancia de las 72 piezas que la componen, obras de algunos de los pintores más admirados de Europa en el siglo XVII, sino también a establecer puntos de comparación entre ellas. Durante mucho tiempo ha parecido lógico pensar que el arte realizado en diversas partes del continente era muy distinto: que Velázquez, por ejemplo, es “muy español” y Rembrandt “muy holandés”. Esta apreciación parte de la desmedida influencia que la sensibilidad y la ideología nacionalistas de los siglos XIX y XX han tenido en nuestra forma de entender el arte. Los estudiosos de esa época concedieron gran importancia a lo que cada nación tenía de diferente, y se extendió la idea de que esas diferencias se manifestaban en el arte. Ese punto de vista minimiza los rasgos comunes que comparten los artistas europeos. El caso de la pintura española y holandesa del siglo XVII es sintomático. Separadas por una guerra, su arte se ha interpretado tradicionalmente como contrapuesto. Sin embargo, el legado de la pintura flamenca e italiana, cuya influencia define toda la pintura europea, se interpretó de forma similar tanto en España como en Holanda. En ambos países se desarrolló en el siglo XVII una estética alejada del idealismo e interesada por la apariencia real de las cosas y la forma de representarla. Los artistas cuyas obras se muestran en esta exposición no expresan en ellas la esencia de sus naciones, sino que dan voz a ideas y planteamientos que compartían con una comunidad supranacional de creadores.

“La unidad de la pintura de Occidente es uno de los grandes hechos que hacen manifiesta la unidad de la cultura europea.” José Ortega y Gasset. «

«Arquímedes» de José de Ribera, ¡parece un collage!

Todo esto, (o parte) lo explica el Comisario, Alejandro Vergara, jefe de Conservación de Pintura flamenca y escuelas del Norte hasta 1700, en la audioguía y en el siguiente video:

Nos gustó la exposición, porque se exponen grandes obras del Prado junto a otras de diversos museos. Aunque no siempre estoy de acuerdo con los comentarios comparativos, que en algunos casos parecen algo forzados. Eché en falta, tratándose de una exposición sobre cultura y pintura relacionada con Holanda y España, y ya que en los rótulos de la exposición se habla expresamente de la guerra de los 80 años, el gran cuadro «La rendición de Breda», pero entiendo que es demasiado complicado mover un cuadro de esas dimensiones. No se podía hacer fotos, pero yo hice algunas.

Uno de los aspectos que más me gustó es el humanismo. En la exposición hay muchas obras de temática humanista, retratos de geógrafos y filósofos, representaciones mitológicas, que anuncian el Renacimiento, como «El dios Marte» o «El triunfo de Baco», ambas de Velázquez. Creo que las dos obras que más me gustan de la exposición. Y dos de las que más me gustan del Prado.

El cuadro de «El triunfo de Baco» es muy relavante en la exposición, y sin embargo no tiene comentario en la audioguía.

Me habría gustado fotografiar las obras «Demócrito» de Hendrick ter Brugghen y «Demócrito» de José de Ribera, que, por cierto, aparte del título y la risa , son dos pinturas con muy poco más en común, el de Brugghen está vestido a la usanza griega, con rico y brillante atuendo y el de Ribera está vestido de pobre del siglo XVII, con harapos oscuros y mates. El primero es mucho más joven. A mí me gusta más el de Ribera (y no es nacionalismo)

Lo que menos me ha gustado de la exposición es la sala dedicada a los bodegones. En español, a este tipo motivos pictóricos se les suele llamar «Naturaleza muerta», y desde luego, en la exposición hay algunos cuadros que son naturaleza cruelmente muerta. Los de flores son pura decoración sin valores, y los de animales pura especismo. Sin embargo hay un cuadro que me llamó la atención: «Emblema de la muerte» de Pieter Steenwijck, por su detalle surrealista de la flauta entre las mandíbulas de la calavera:

También me llamó la atención esta obra por su pintura flamenca tan empastada que, como comenta el comisario en la audioguía, parece que la mujer no se está levantando la enagua sino que está levantando pura pintura:

Merece la pena ir a verla. Y de paso, si tenéis tiempo, entrad a ver la exposición » Fra Angelico y los inicios del Renacimiento en Florencia». Nosotros entreamos, pero en seguida nos dijeron que había que salir porque era la hora de cerrar. También me habría gustado echar un vistazo a la exposición de esculturas de Alberto Giacometti.

EXPO 100 AÑOS DE METRO EN LA SALA DE MOTORES

Él viernes 21 de junio estuvimos viendo esta exposición. Lo que más me gustó fue el edificio de la Sala de Motores, estilo Art Decó:

Fue una pena que no hubiera ya entradas para ningún día para poder ver la galería subterránea de la Nave de Motores. Se trata de un pasadizo de servicio bajo tierra que conectaba con la estación de Pacífico y, años después, con las subestaciones de Quevedo y Castelló. Deberían ampliar el plazo de visitas de esta galería.

En la exposición se va haciendo historia del metro. Me interesaron algunos datos: En 1931 algunas estaciones cambiaron de nombre, Ópera se renombró como Fermín Galán; Iglesia pasó a llamarse Sorolla.

Fermín Galán fue un militar demócrata que en 1926 participó en la llamada «Sanjuanada» contra la dictadura del general Miguel Primo de Rivera iniciada en 1923, circunstancia que le supuso, tras consejo de guerra, seis años de condena en el castillo de Montjuic, donde tendría ocasión de intimar con destacados líderes del anarquismo en Barcelona. Tras la dimisión de Primo de Rivera, y cumplidos tres años y medio de reclusión, con ocasión de la amnistía decretada por el nuevo dictador, el general Dámaso Berenguer, solicita su reincorporación al servicio activo, regresando con el empleo de capitán y siendo destinado al Regimiento Galicia n.º 19 con guarnición en la ciudad de Jaca. En su nuevo destino de la ciudad pirenaica no tarda en entrar en contacto con los principales elementos del movimiento republicano activos en esa localidad. Ese mismo año, en 1930, se pone al servicio del Comité Nacional Revolucionario. Desde ese momento iniciará una febril carrera en la que no cejará hasta urdir, junto con otros compañeros de armas también destinados en Jaca, un plan para sublevar la guarnición y unirse al alzamiento republicano de alcance nacional que prepara el Comité Revolucionario Nacional (CRN). En compañía de varios oficiales y algunos paisanos, líderes locales del movimiento republicano, subleva la guarnición de Jaca en la madrugada del día 12 de diciembre de 1930, dando comienzo a la epopeya conocida como la sublevación de Jaca. Pero el dictador abortó la sublevación democrática y en el Gobierno Militar de Huesca, durante la noche del día 13 y buena parte de la madrugada del día 14 de diciembre, junto con otros oficiales detenidos en la misma dependencia militar, son juzgados en un consejo de guerra sumarísimo que condena a muerte a los capitanes Fermín Galán Rodríguez y Ángel García Hernández. Ese mismo día, el 14 de diciembre, los condenados son fusilados junto a las tapias del polvorín de Fornillos, a dos kilómetros de Huesca. Galán da la orden de fuego al pelotón de ejecución, cayendo con un grito de ¡Viva la República!. Fue enterrado en el cementerio civil de Huesca. Instaurada la Segunda República Española el 14 de abril de 1931, y consciente del papel que había jugado Galán en su fallido golpe de Estado para instaurar la República instado por el Comité Revolucionario Nacional, el nuevo Gobierno republicano tomó una serie de medidas para ensalzar su figura, entre ellas reabrir el expediente de juicio contradictorio para la concesión de la Cruz Laureada de San Fernando al capitán Fermín Galán por su heroico comportamiento en la Legión Española. En la primera sesión celebrada por el ayuntamiento republicano de la ciudad de Madrid, se acordó el cambio de los nombres de algunas calles y plazas, así la plaza de Isabel II se llamó entonces de Fermín Galán.

En cuanto a Sorolla, creo que sobra buscar más información, desde luego es un nombre mucho más democrático que el nacionalcatólico de «Iglesia».

Durante los bombardeos de los fascistas alemanes e italianos el metro sirvió de refugio. (En la expo lo llaman «guerra civil», pero no había muchos alemanes ni italianos civiles en los aviones ni en las ciudades españolas. Llamar a los bombardeos sobre Madrid y otras ciudades españolas «guerra civil», es puro negacionismo y falseamiento de la historia)

Otro detalle de Memoria Histórica es que en 1981 re recuperan nombrs de estaciones que durante la dictadura habían cambiado, como Gran Vía por José Antonio, y Príncipe de Vergara por General Mola.

Nos preguntamos como se pudieron traer hasta Madrid estos inmensos motores de barco desde Suiza.

Ma gustaron las colecciones de llaves:

¡Todos con bigotes!

Fotografía de Memoria Histórica: El metro como refugio. Atención a los carteles: «Liberatorios de prostitución- Mujeres libres»

Nos despedimos del edificio:

Fuimos caminando hasta el Retiro,

donde paseamos por los Jardines de Cecilio Rodríguez

Y por la antigua Casa de fieras, donde descubrí la Biblioteca Popular, junto a la Puerta 12 de octubre. Y el sábado 22, a primera hora me acerqué con un carro de la compra lleno de libros para hacer mi primera donación. Antes de terminar de colocarlos ya tenía varios usuarios esperando las novedades de la Bibilioteca.

Seguiré haciendo donaciones.

CONCIERTO DE CUARTETOS DE CUERDA

El viernes 14 de junio asistimos al Auditortio Sony, de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, para disfrutar del Concierto de cuartetos de cuerda, programado dentro del Ciclo Da Camera.

Actuaron dos cuartetos y un trio de cuerda que estudian en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid, con el profesor Günter Pichler.

August Gyldfeldt Magnusson y Jonas Reinhold (violines)

El primer cuarteto que actuo fue el CUARTETO GYLDFFELDT, que interpretó una obra de Hayden. Antes de comenzar nos llamó la atención la nomenclatura de la obra «Cuarteto de cuerda en sol mayor, Op. 77 núm 1, Hob. III:81». No sabíamos qué significaba la abreviatura «Hob» y lo buscamos, claro, en internet. En Wikipedia encontramos que: «Las obras de Joseph Haydn están clasificadas hoy día según el sistema creado por Anthony van Hoboken, y revisado y completado por Robbins Landon y su mujer Christa, que ha sido adoptado universalmente, aunque actualmente se sabe que no refleja con exactitud la cronología de la composición de las obras, criterio usado por Hoboken en el catálogo. Cada obra se identifica con una cifra romana que corresponde con la categoría, que en la mayoría de los casos corresponde con un género. Algunas categorías tienen subdivisiones, cosa que se indica con una letra minúscula. A continuación aparece un número en numeración arábiga que corresponde con el orden de la obra concreta dentro de la categoría». También wikipedia nos aclara que «Anthony van Hoboken (Róterdam, 23 de marzo de 1887-Zúrich, Suiza; 1 de noviembre de 1983) fue un importante musicólogo y mecenas neerlandés, además de coleccionista de objetos musicales».

Sarah Rosell (viola) y Anna Herrmann (violonchelo)

En el caso de la obra que interpretaron en el concierto, la cifra romana III identifica a los dos Cuartetos de cuerda Opus 77 , también llamados Cuartetos «Lobkowitz» fechados en 1799, y más concretamente al Cuarteto número 66 en sol mayor.

La interpretación fue impecable, limpia, contenida y brillante.

El segundo cuarteto que actuó fue el CUARTETO GOLDMUND, quienes interpretaron una obra de Debussy, el Cuarteto de cuaera en sol menor, Op. 10. Desde el siglo XVII, se comenzó a utilizar esta forma de catalogación cada vez que se publicaba una obra, precediendo la palabra opus, o su abreviatura op., al número de orden de la misma.

Florian Schotz y Pinchas Adt (violines)

Claude Debussy escribió su único cuarteto de cuerdas en sol menor, op. 10 en 1893.
El año anterior, Debussy había abandonado la ópera Rodrigue et Chimène  y planeaba escribir dos cuartetos de cuerda de los que sólo se materializó esta obra. El cuarteto tuvo su estreno el 29 de diciembre 1893 por el Cuarteto Ysaÿe en la Société Nationale de Paris con reacciones encontradas como resultado. El cuarteto es considerado un hito en la historia de la música de cámara. Su sensualidad y cambios tonales impresionistas lo convierten en una pieza totalmente de su tiempo y lugar, mientras que, a la vez, con su estructura cíclica, constituye un divorcio definitivo de las reglas de la armonía clásica y señala el camino por delante.

Christoph Vandory (viola) y Raphael Paratore (violonchelo)

Por supuesto la actuación fue magnífica, virtuosa y espirituosa. Por cierto, durante el descanso les vimos en el vestíbulo regalándole un ramo de flores de Paloma O’ Shea.

Por último actuó el TRIO ZADIG interpretando una obra de Beethoven, un trio con piano en mi bemol mayor., opus 70. Opus 70 es un conjunto de dos tríos escritos para piano, violín y violonchelo, que fueron compuestos durante la estadía de Beethoven en el patrimonio de la condesa Marie von Erdödy, y ambos están dedicados a ella por su hospitalidad. Fueron publicados en 1809.

Ian Barber (piano) y Marc Girard García (violonchelo)
Boris Borgolotto (violín)

Una interpretación muy alegre y colorista.

Disfrutamos mucho del concierto.